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Karl é um freelancer de longa data apaixonado por música, arte e escrita.
Impressões iniciais
Dream Tether do Infra Violet é um álbum rico em emoção lírica e vocal, um acompanhamento musical bem pensado e uma boa mistura de canções mais enérgicas com exames introspectivos e emocionalmente carregados das contradições e lutas do ser humano.
A voz de Bethany Munroe é um pilar central deste álbum. Tem um tom e um timbre únicos que permitem a ela se emocionar poderosamente e expressar o significado nas letras. Ela pode deixar isso soar ao longo da música ou tornar-se íntimo e carinhoso para encontrar o sentimento certo para a letra. Isso contribui fortemente para a atmosfera das músicas deste álbum.
As letras das músicas de Dream Tether percorrem o terreno desafiador de nossas relações conosco e com os outros, fazendo desvios para falar sobre a condição humana e os lugares em que nos encontramos. As letras são cuidadosamente escritas e criam imagens fortes nas músicas que chamam minha atenção.
Toby Campen e Bethany Munroe tecem juntos uma rica gama de linhas musicais para criar um resultado final densamente texturizado em Dream Tether. O trabalho de sintetizador de Toby Campen adiciona timbres e tons que apóiam as imagens das letras, enquanto a guitarra de Bethany Munroe adiciona interesse e complexidade. Uma cama de baixo e bateria suporta todos os elementos e adiciona alguma direção.
Minhas faixas favoritas analisadas
“Polaroid” ganha vida com uma pulsação rápida de graves intensos e um sintetizador denso e escuro com bordas ásperas tocando blocos de som inconstante e brilhante. A voz esfumada e expressiva de Bethany Munroe carrega a pulsação do baixo urgente enquanto uma linha brilhante de sintetizador desce suavemente. A bateria continua pulsando, empurrando a música para frente.
Fico atraída pela emoção dos vocais enquanto os sintetizadores tremem e brilham e a batida continua. O refrão é lançado, a bateria carrega e sintetizadores profundos adicionam textura e peso. Há uma pausa para batidas de bateria e pequenos flashes de guitarra antes da música ser lançada novamente.
Relacionamentos terminam, apesar de nossos melhores desejos de que continuem. Esta música é uma exploração das consequências emocionais de um relacionamento quebrado. O narrador começa dizendo que “o amor não é para você e para mim. Estou tão feliz que tudo que fizemos foram memórias. " Gosto da forma como as letras contrastam a declaração do narrador de que ela é "apenas o suficiente para esquecer" com "você é demais para desfrutar do arrependimento".
A sensação de distância que nossa narradora sente do amor fica clara quando ela diz que não é para mortais, mas para o "puro divino". Ela pergunta que direito ela tem de "manter o amor neste meu coraçãozinho?" Há um sentimento de vazio quando o narrador diz: "Você é uma memória, nunca é minha para fazer" e fala sobre como a pessoa a quem ela se refere é como uma "Polaroid que não consigo mexer". O problema é que sua memória vai desaparecer com o tempo, mas "nunca o suficiente, nunca o mesmo."
No entanto, ela afirma que ter seu coração partido vale a pena "apenas para sentir algo fora de mim", acrescentando que a cada "batimento cardíaco estilhaçado" ela é lembrada de que existe "o suficiente para ser solitária". A música termina quando ela diz que se o amor "nunca importou" porque era apenas um jogo para a outra pessoa, igualmente não importa se o amor é um jogo para ela que ela perdeu essa pessoa.
Um pulsante de sintetizador latejante é acompanhado por sintetizadores completos e redondos que derivam em linhas reverberantes quando “Grow” abre. A guitarra de Bethany Munroe chora e a bateria bate forte com uma batida propulsora enquanto a guitarra elevada brilha bem alto sobre eles. Os vocais adicionam dor e expressão às letras conforme a bateria e o baixo impulsionam a faixa.
Eu gosto de como a guitarra canta em uma linha brilhante enquanto a voz de Bethany Munroe sobe e se eleva com paixão. Um sintetizador angular canta enquanto o refrão sobe novamente, levando as palavras ao meu coração com sua expressão. Uma passagem suave e deslizante é tocada por Toby Campen no sintetizador entrelaçado e voltamos à seção “A” novamente.
A humanidade danificou o planeta de maneiras terríveis e esta música é uma expressão de angústia por esse fato. A dor e a raiva da narradora são claras quando ela diz "se é assim que nos comportamos, a Terra não tem lugar para nós mais profundo ou mais gentil do que um túmulo".
Há uma dor profunda em suas palavras quando ela diz: "Não quero que os passos que deixamos para trás sobrevivam a nós como uma queimadura" ou saber que ela pode ter causado mais danos do que se eu nunca tivesse nascido. ”
Enquanto ela respira "o resto da bagunça que eu fiz", ela "se deitará na terra e espero que tenha feito tudo bem". Há um sentimento de raiva justificada quando ela diz: "Estou aqui por boas razões, droga!" Ela está inflexível de que não será "um parasita" porque "Eu valho mais do que isso, nós valemos mais do que isso."
"Gold" começa com uma batida forte que colide com um baixo rosnado e a voz forte de Bethany Munroe grita. Fagulhas de sintetizador alto brilham sobre a bateria e o baixo latejantes. Eu gosto da luz cintilante desses sintetizadores acima da melodia vocal triunfante. A bateria adiciona peso e movimento para empurrar a música para frente.
Essa música é uma expressão de desafio e luta depois de ter sido prejudicada por um relacionamento anterior. A narradora aperta a mandíbula ao dizer: "Eles disseram para pegar o dano, juntar com ouro." A letra cria uma imagem de construção de uma concha de metal que é "ousada como latão e tão fria". Sinto-me atraído pela ideia de que ela "cristalizará os limites do meu peito" para criar algo "mais nítido, mais bonito do que a carne".
Ao se tornar inflexível, ela diz que agora essa pessoa "não pode me tocar … nunca vai chegar perto de mim" porque ela "não tem mais pele para segurar". O dano que essa pessoa fez a ela significa que agora ela tem um "coração de ouro".
Ela substituiu sua vulnerabilidade por “fragmentos de cristal retorcidos e denteados” que são pequenos demais para serem agarrados enquanto seus “hematomas de 18 quilates” se transformam em ouro maciço. Sua caixa torácica agora é uma “cavidade brilhante”, um espaço reservado apenas para ela. Agora ela vai “justificar o dano que você fez” tornando-o bonito. Ela termina: "Então, quando eu não deixar mais ninguém entrar, direi que foi você quem me colocou aqui."
De Spinditty
A guitarra salta em uma linha intrincada, pulsante e oscilante enquanto os vocais emocionantes de Bethany Munroe sobem sobre a bateria latejante para dar início a "Mess". A batida da bateria molda a música com uma movimentação suave e a guitarra se entrelaça com a melodia vocal que salta calorosamente através da música.
A linha de baixo ativa se move em uma onda latejante abaixo do sintetizador redondo e cintilante que se move acima da linha de guitarra entrelaçada. Eu gosto da natureza complexa de como os diferentes elementos musicais interagem nesta música. Os vocais de Bethany Munroe gritam enquanto a bateria bate e os sintetizadores circulam e brilham enquanto a bateria impulsiona a música para a frente.
A vida pode ser aceitar a bagunça em que nos deixa e encontrar outra pessoa para compartilhar a bagunça de viver. A música começa com uma afirmação simples de que "com olhos grandes e vermelhos, você disse que a bagunça vai prover". Gosto da imagem dele fornecendo “rizlers * ou filtros, ou razões para permanecer vivo”.
Os dois são "a bagunça um do outro" e a "terapia de embriaguez às 3 da manhã" ainda é tão importante agora como quando começou. O refrão é um incentivo para “orgulhar-se primeiro” e deixar que todos esperem. Eles estão envolvidos em uma “competição amigável” para ver quem comete mais erros.
O narrador admite que não sabe o que está fazendo e não vai parar. Ela acrescenta: “Não devemos perfeitos para justificar a vida”. Há um forte senso de aceitação nas falas, "Sim, vamos levar tudo, apenas a bagunça que somos"
No final, eles têm um “amor grande e injetado” um pelo outro. Enquanto eles se levantam, o narrador reconhece que "nunca seremos diamantes, mas superamos o bruto". Há uma emoção profunda quando o narrador passa a dizer "você é minha força para voltar quando a esperança se foi."
Ela acrescenta que a outra pessoa lhe dá a força para ser ingênua e “acreditar que de alguma forma isso nos fortalece” e mais uma vez acrescenta que é preciso “primeiro orgulhar-se” e deixar que todos esperem.
Nosso narrador conclui que “cada erro que cometi com você foi o melhor que já cometi”.
"Wanderlust" ganha vida com uma guitarra folky cintilante dançando na música, junto com o timbre único de sua voz carregando a melodia vocal leve e arejada. O violão adiciona um toque leve, brilhando sobre a cama de sintetizadores sutil e enevoada e a oscilação discreta do baixo. Eu sinto uma forte atração pela forma como a voz de Bethany Munroe dói, se emociona e cresce na música. O refrão acaricia e a bateria pulsa enquanto a música termina com uma guitarra suave e leve.
A letra dessa música é uma exploração da ideia de encontrar um lugar para si mesmo e buscar uma maneira de ser. O narrador começa com as falas: “Um sentimento que posso descrever melhor como uma intensa luz violeta escura”, já que ela diz que o mais perto que chega de ter uma casa é “é no topo de uma montanha à noite”.
Ela diz que não encontrou "meus pensamentos em casa, meus planetas em casa" e que inspira "algo mais do que eu" e expira "respiração humana normal". Ela está apenas “tentando encontrar algo bonito” e que “tudo o que sou é o desejo de viajar”.
Estou apaixonado pela ideia de que ela tem "ciúme das partículas em mim" porque elas são "livres para partir e escolher voltar". Ela acrescenta que "sempre conheceu minha casa", mas não sabe como voltar para ela.
A insignificância de "pequenos cuidados terrenos" é comparada aos átomos no ar "contra uma explosão solar". Nosso narrador diz que as estrelas a assustam porque "Eu não sou eles, eu não estou lá." A música termina quando ela pergunta: "Tem alguém aí?"
Uma lavagem sônica nebulosa, notas de piano distantes e baixo vibrante movem-se abaixo dos vocais saltantes para dar início a "Deny". O piano distante flutua e um baixo denso começa a oscilar em pulsos rápidos enquanto um sintetizador de som digital reproduz um padrão vibrante de notas. Há também uma batida gagueira que entra na faixa.
Os vocais têm um sentimento profundamente emotivo conforme o sintetizador distante flutua e as notas digitais se movem em padrões oscilantes. O vento sobe e flui ao redor dos vocais e da batida conforme eles se distorcem e se movem para um espaço aberto junto com o pulso das notas brilhantes. O refrão surge novamente sobre o fundo nebuloso quando a faixa termina.
Às vezes, o poder da paixão é tão avassalador que, não importa o custo, não podemos resistir. Esta música explora esse sentimento de forma poderosa. O narrador começa com as falas: "Oh meu Deus, não posso estar aqui de novo. Oh meu Deus, eu não posso ser isso de novo. "
A narradora passa a admitir sua familiaridade com o assunto da música e sua natureza, levando-a a perguntar: "Por que não chegar muito perto de mim?" Ela diz que odeia a situação porque “acabei de consertar essa bagunça em mim”. A "familiaridade primordial" entre eles será "a minha morte".
Ela ressalta que, se não tivesse imaginação, "nunca cairia assim" ou experimentaria o "desespero obsessivo" a que o tema da música a reduz. Ela diz que vai "negar isso ao meu DNA, negar a queda ao meu lugar humilde".
Ela agora tem um “incentivo para merecer o que não existe”. Ela implora por força e implora: "não me reduza a isso de novo" porque "Eu conheço esse sentimento, eu conheço você."
Conclusão
Dream Tether é um álbum que cria belas imagens auditivas por meio de paletas musicais exuberantes, vocais poderosos e letras que são evocativas e expressivas. Estou sempre ansioso para ouvir o que o Infra Violet vem com.
